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Vieux fours du Japon

Vase hanaire (Hana-ire) de forme baroque
Mitate, transformation d'un élément de cuisson en vase par un maître de thé
Grès nu recouverts de concrétions de cendres
Cuisson au bois Haikaburi
Otoshi (vase interne) composé d’un segment de bambou gainé de cuivre
Signature incisée sous la base

Japon
Ère Meiji (vers 1880)


Pièce unique

Dimensions
H 18 cm

Condition
Excellent état

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Old kilns of Japan

Freeform vase
Mitate, firing element changed into a vase by a tea master
Stoneware with wood firing effects
Haikaburi wood firing
Natural bamboo and copper Otoshi

Japan
Late Nineteenth century, Meiji Era
Circa 1880

Unique Artwork

Dimensions
H 18 cm

Condition
Excellent condition

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Les Fleurs, ainsi que leurs contenants, sont un élément important des décorations pour la cérémonie du thé. Les fleurs disposées pour la cérémonie du thé sont appelés chabana (茶花), et les récipients pensés pour celles-ci sont génériquement appelés hanaire (花入).

Notre vase est un étonnant exemple de la rude délicatesse des poteries de grès nue. Sa forme très simple s'offre à nous par le truchement d'une Mitate -un déplacement du regard- par laquelle un maitre de thé a transformé par sa seule perception sensible un élément de cuisson en un vase singulier.

Mitate désigne une forme de métaphore, utilisée dans la culture japonaise traditionnelle. Le terme, qui veut dire littéralement « instituer (tate) par le regard (mi) » acte le déplacement d'un usage et d'une fonction par l'élection d'une chose à une nouvelle place. C'est l'idée de porter un regard nouveau et différent sur une chose connue.

La pièce est un agglomérat croustillant créé par les cendres déposées en masse lors de multiples cuissons consécration du Youhen devenu motif unique créant une variété de couleurs éteintes et sombres témoins des mutations subies par la pièce lors de sa cuisson, heureuse union finale du travail commun du potier, du feu et de la terre.


Le grès nippon a traversé les siècles jusqu'à nos jours en restant fidèle à la technique simple du grès nu cuit le plus souvent au bois de pin rouge. Ceci a été rendu possible grâce aux recherches constantes des potiers. Quelque soit l'époque, la technique ancienne a suscité de nouvelles formes d’expression, et de tout temps un désir incessant de création a animé les artistes. De nos jours, cette ardeur novatrice n'a pas tari et de nombreux artistes talentueux ont repris le flambeau, donnant naissance à un foisonnement d'œuvres inédites.

Des générations de potiers nourris de la beauté des ustensiles de la cérémonie du thé de l'époque Momoyama, renoue avec une céramique célébrant les qualités de la terre, brun sombre et grasse. Elle retrouve le charme simple et naturel du grès nu.
Les formes et contours sont simples, dictés par la soumission aux contraintes du tour. Les pièces sont d'usage, la palette des effets du feu y semble illimitée dépassant les croyances selon lesquelles seul un émail pouvait produire autant de richesse de matière. Ici ce n'est plus seulement une affaire de surface. La matière se transforme léchée par les flammes et caressée par les cendres. L'artiste ne cherche pas toujours à faire montre de son adresse. La poésie irrigue les créations des potiers de grès, une poésie qui ne s'exprime pas à haute voix mais qui point, secrète et intense, de l'intérieur des œuvres.
Le succès des grès japonais à l'étranger est déjà ancien et l'on voit combien son influence sur la céramique européenne s'est déjà fait sentir au vingtième siècle, de La Borne en France au New Jersey où Peter Voulkos initia la révolution qui fut la sienne, en passant par Saint-Ives en Cornouailles ou par Bornholm au Danemark.
C'est au fond sa force que de s'adresser directement au cœur sans artifice et ainsi parler à l'âme commune, une manière pour nous d'envisager que la beauté ne connaît ni frontière ni goût.